Asian & American Art Foundation: Paris koh fine Arts (526 West 26th Street, Suite 211, NY City) Proud to present a group exhibition Structures of Belonging: Daru Junghyang Kim, Jongsook Kang, Mikyung Kim, Pam Cooper, Sooyeong Lee, Heejung Kim, Sungho Choi, Park Joon, YeongGill Kim, Jose Camacho, HyunSook Moon. This exhibition runs from March 5 – 28, 2026 with an opening reception on Thursday, Mar. 12th from 6-8 pm.

 

A group exhibition Structures of Belonging brings together artists exploring how we locate ourselves within landscapes, cities, histories, and relationships. Through painting, sculpture, photography, and installation, the exhibition examines the emotional, social, spiritual, and political frameworks that shape connection and identity. From immigrant perspectives and urban grids to family bonds, myth, memory, and collective loss, these works ask what it means to belong in an era of displacement and interdependence. As the inaugural exhibition of Paris Koh Fine Arts in Chelsea, Structures of Belonging underscores the gallery’s commitment to socially engaged contemporary art.

 

Park Joon has developed his long-term series An Outsider’s Perspective – America the Beautiful over the past 27 years, capturing the vast landscapes of the United States through the contemplative gaze of an immigrant. Moving beyond the surface image of a “beautiful America,” his photographs explore the subtle emotional and psychological undercurrents embedded within grand terrains. The series reflects both a quiet question toward America as a second homeland and an intimate record of the artist’s inner journey

​

YeongGill Kim (b. 1957, Korea; based in New York) bridges Eastern and Western traditions through a contemplative language rooted in Korean ink aesthetics. Working in large-scale black-and-white acrylic, he creates luminous, textured surfaces that shift between meditative landscapes and dynamic fields of figures. Through this interplay of stillness and movement, Kim explores the psychological and spiritual tensions of contemporary life.

​

New York–based artist Daru-JungHyang Kim creates lyrical abstractions inspired by nature’s cycles of renewal, growth, and hope. Educated in Korea and New York, she develops contemporary landscapes in her Hudson Valley studio. Bridging spirituality and painterly reality, her layered circular forms evoke chi and eternal return. Her delicately built surfaces embrace imperfection and invite quiet contemplation on the fragile beauty of our interconnected world.

 

SungHo Choi’s Genusham series interrogates society’s obsession with luxury and authenticity, revealing the tension between genuine and sham. Extending beyond brand culture, his work questions distorted histories, political narratives, and achievements that often conceal painful truths. Through sharp conceptual contrasts, Choi critiques materialism and idealism in contemporary life. Based in New York since 1981, he has exhibited internationally and received major grants including the Pollock-Krasner Foundation and the National Endowment for the Arts.

​

Mars Heejung Kim explores the Universe through her signature use of dots, the most elemental form in art. Working in both 2-D and 3-D, her practice draws on Asian philosophy, dream imagery, and personal experience. Her work has been shown nationally and internationally, featured in ARTnews and The New York Times, and is included in collections such as the Princeton University Art Museum. Kim holds an MA in Art Education from the University of Illinois and an MFA from Stony Brook University. She teaches studio arts at Raritan Valley Community College and William Paterson University.

​

Sooyeong Lee presents Psyche (Terra Cotta, 30 × 40 in.), a bas-relief inspired by the story of Psyche from C.S. Lewis’s Till We Have Faces and Greek mythology. Drawing on spiritual traditions and natural elements, Lee’s sculptures merge fine arts and theology, creating forms that feel timeless and sacred. Her work embodies quiet strength and reverence, blurring the boundaries between the ancient and the present to become meditative presences in the space.

​

Pam Cooper presents Cutting Ties, an installation addressing the emotional impact of divorce on young children. Price tags threaded through scissors attempt to hold the blades closed, symbolizing the desire to prevent separation. Each tag pairs a child’s image with questions posed to their parents, including the haunting, “What did I do wrong?” Cooper received her BFA from Pratt Institute and has exhibited widely in New York and New Jersey.

​

HyunSook Moon presents works from her Imagine series, exploring human relationships, memory, and identity through the motif of the house. Simplified into points, lines, and planes, these forms unfold into faces, urban structures, and evolving shapes, reflecting the complexity of connection and community. Using mixed media, Moon creates tactile surfaces that invite viewers to trace, imagine, and engage with the networks of life, emphasizing acceptance, communication, and shared spaces central to Structures of Belonging.

​

Jong Sook Kang presents works from her Emptiness Series, porcelain vessels interwoven with gold, silver, black, and copper wire in grid-like formations inspired by Manhattan’s urban mesh. Shifting from her long-running apple series, Kang explores the philosophy of “complete emptiness,” using pierced forms and woven wire to reflect on human connection, social networks, and collective loss during the COVID-19 pandemic. The vessels function as meditative spaces where structure and void coexist, evoking both Zen contemplation and the complexity of contemporary life.

 

Mikyung Kim is a Korean-born conceptual sculptor based in New York whose work bridges ritual, material, and time, drawing from Eastern ceremonial traditions and altar-like forms. Her ongoing series Breath of Time / Tide in & out, part of Calendar / Marking Time (begun in 1993), features layered resin and pigment panels shaped by chance, gesture, and duration. In Structures of Belonging, Kim frames belonging as a temporal experience—where repetition and interrelated panels evoke collective memory and unseen connections.

​

José Camacho creates mixed-media works shaped by what he calls “controlled randomness.” Using aged, stained studio papers mounted on canvas, he transforms art-making remnants into layered reflections on time and memory. Text fragments, maps, and compressed stamped words form an abstract language of beauty and tension. Born in Puerto Rico and based in the United States since the 1980s, Camacho explores themes of colonial history, displacement, and belonging through gritty, industrial surfaces marked by ink and erasure.

​

​

아시안 & 아메리칸 아트 파운데이션 (파리 코 파인 아트) (526 West 26th Street, Suite 211, New York City)는 그룹전《Structures of Belonging》을 개최합니다. 참여 작가는 다루-김정향, 강종숙, 김미경, 팸 쿠퍼, 이수영, 김희정, 최성호, 박준, 김영길, 호세 카마초, 문현숙입니다.

전시는 2026년 3월 5일부터 3월 28일까지 진행되며, 오프닝 리셉션은 3월 12일(목) 오후 6시부터 8시까지 열립니다.

  

그룹전 《Structures of Belonging》은 우리가 풍경과 도시, 역사와 관계 속에서 어떻게 자신을 위치 짓는지 탐구하는 작가들을 한자리에 모았습니다. 회화, 조각, 사진, 설치를 통해 정서적·사회적·영적·정치적 구조 속에서 형성되는 연결과 정체성을 조명합니다. 이민자의 시선, 도시의 그리드, 가족적 유대, 신화와 기억, 집단적 상실에 이르기까지 다양한 접근은 이동과 상호의존의 시대에 ‘소속’이 무엇을 의미하는지 질문합니다. 첼시에서 새롭게 시작하는 파리 코 파인 아트의 개관전으로서, 본 전시는 사회적 담론에 적극적으로 참여하는 동시대 미술에 대한 갤러리의 비전을 드러냅니다. 

 

사진작가 박준은 지난 27년간 연작〈An Outsider’s Perspective – America the Beautiful〉을 통해 미국의 광활한 풍경을 이민자의 사색적 시선으로 기록해왔습니다. 그의 사진은 표면적인 ‘아름다운 미국’을 넘어 장대한 자연에 스며든 미묘한 정서와 심리적 흐름을 포착합니다. 이 시리즈는 제2의 고향으로서의 미국을 향한 조용한 질문이자, 작가 내면의 여정을 담은 친밀한 기록입니다.

 

김영길은 한국 수묵의 미학에 기반한 사유적 조형 언어로 동서양 전통을 이어줍니다. 대형 흑백 아크릴 작업에서 명상적 풍경과 역동적 인물 군상이 교차하며, 고요와 움직임의 상호작용 속에서 동시대 삶의 심리적·영적 긴장을 탐구합니다.

 

뉴욕을 기반으로 활동하는 다루-김정향은 자연의 재생과 성장, 희망의 순환에서 영감을 받은 서정적 추상을 선보입니다. 한국과 뉴욕에서 수학했으며 허드슨 밸리 스튜디오에서 현대적 풍경을 전개합니다. 겹겹이 쌓인 원형의 층은 기(氣)와 영원회귀를 암시하며, 섬세한 표면은 상호 연결된 세계의 연약한 아름다움을 조용히 성찰하게 합니다.

 

최성호의 Genusham 시리즈는 명품과 진정성에 대한 사회적 집착을 비판적으로 탐구합니다. ‘진짜와 가짜’의 긴장을 통해 왜곡된 역사, 정치적 서사, 화려한 성취 뒤에 숨겨진 진실을 드러내며 동시대 물질주의와 이상주의를 날카롭게 성찰합니다. 그는 1981년부터 뉴욕을 기반으로 활동해왔으며, 폴록-크래스너 재단과 미국 국립예술기금(NEA) 등 주요 기관의 지원을 받았습니다.

 

김희정은 예술의 가장 근원적인 요소인 ‘점’을 통해 우주를 탐구합니다. 2차원과 3차원을 아우르는 작업은 아시아 철학과 꿈의 이미지, 개인적 경험을 결합합니다. ARTnews와 The New York Times에 소개되었으며, 프린스턴 대학교 미술관 등 주요 컬렉션에 소장되어 있습니다.

 

조각가 이수영은〈Psyche, 테라코타, 30×40인치〉를 선보입니다. 이 작품은 그리스 신화와 C.S. 루이스의 『우리가 얼굴을 찾을 때까지』에서 영감을 받은 부조 작업입니다. 영성과 자연적 요소를 결합한 조형은 고대와 현재의 경계를 허물며, 공간 속에서 명상적이고 성스러운 존재감을 형성합니다.

 

팸 쿠퍼의 설치작품〈Cutting Ties〉는 이혼이 어린 자녀에게 남기는 정서적 영향을 다룹니다. 가위에 끼워진 가격표는 날이 벌어지지 않도록 붙들고 있으며, 이는 분리를 막고자 하는 간절함을 상징합니다. 각 가격표에는 아이의 이미지와 함께 부모에게 던지는 질문, “내가 뭘 잘못했나요?”이 담겨 있습니다. 쿠퍼는 프랫 인스티튜트에서 BFA를 취득했으며 뉴욕과 뉴저지에서 활발히 전시해왔습니다.

 

문현숙은 Imagine 시리즈에서 ‘집’이라는 모티프를 통해 인간 관계, 기억, 정체성을 탐구합니다. 점·선·면으로 단순화된 형태는 얼굴과 도시 구조, 확장되는 형상으로 전개되며 공동체와 연결의 복합성을 드러냅니다. 혼합 매체로 구현된 촉각적 표면은 관객이 상상하고 사유하도록 유도합니다.

 

도예가 강종숙은 Emptiness Series에서 맨해튼의 도시적 그리드에서 영감을 받은 철사 직조 도자 작업을 선보입니다. 오랜 사과 시리즈에서 전환하여 ‘완전한 비움’의 철학을 탐구하며, 구멍 뚫린 형태와 직조된 금·은·동선은 팬데믹 시기의 집단적 상실과 인간적 연결을 성찰합니다. 구조와 공허가 공존하는 이 그릇들은 선적 명상과 동시대 사회의 복잡성을 함께 환기합니다.

 

김미경은 한국 출생의 개념 조각가로 뉴욕을 기반으로 활동하며, 동양의 의례 전통과 제단 형식에서 영감을 받아 물질과 시간의 관계를 탐구합니다. 1993년 시작된 〈Breath of Time / Tide in & out〉 시리즈는 레진과 안료의 층위를 통해 우연과 행위, 지속의 흔적을 담아냅니다. 본 전시에서 그녀는 소속을 시간적 경험으로 제시하며, 반복과 상호 연결된 패널을 통해 집단적 기억과 보이지 않는 관계를 환기합니다.

 

호세 카마초는 ‘통제된 우연성(controlled randomness)’이라는 작업 방식을 통해 혼합 매체 작업을 전개합니다. 오래되고 얼룩진 스튜디오 종이를 캔버스에 부착해 시간과 기억의 층위를 쌓고, 텍스트 파편과 지도, 압축된 스탬프 문자로 아름다움과 긴장이 공존하는 추상적 언어를 구축합니다. 푸에르토리코 출생으로 1980년대부터 미국에서 활동해온 그는 거친 산업적 표면 위에 잉크와 지움의 흔적을 남기며 식민 역사, 이주, 소속의 복합적 구조를 탐구합니다.

​

​

​